まだ会えない名画の部屋

ピカソの本名は「パブロ・ディエゴ・ホセ・フランシスコ・デ・パウラ・フアン・ネポムセーノ・マリア・デ・ロス・レメディオス・シプリアーノ・デ・ラ・サンティシマ・トリニダード・ルイス・イ・ピカソ」。聖人や親せきの名前をたくさんもらったためです。

His full name was Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso. He was named after many saints and relatives.

1911年、ルーヴル美術館から「モナ・リザ」が盗まれる大事件が起きました。友人の詩人アポリネールが疑われ、ピカソも警察に呼ばれて取り調べを受けました。でも二人とも無実で、本当の犯人は美術館で働いたことのある別の男でした。

In 1911 the Mona Lisa was stolen from the Louvre. Picasso's friend, the poet Apollinaire, was arrested, and Picasso was called in for questioning too. Both were innocent—the real thief was a man who had once worked at the museum.

1957年、75歳のピカソは、スペインの巨匠ベラスケスの名画「ラス・メニーナス」をもとに、58点もの連作を描きました。その連作は今、バルセロナのピカソ美術館でまとめて見ることができます。

In 1957, at the age of 75, Picasso made a series of 58 works based on Velázquez's Las Meninas. You can see the whole series today at the Museu Picasso in Barcelona.

棒つきキャンディ「チュッパチャプス」の花のような形のロゴは、1969年にダリがデザインしたものです。ロゴを包み紙の横ではなく上にのせて、よく見えるようにしたのもダリのアイデアだと言われています。

The flower-shaped logo of Chupa Chups lollipops was designed by Dalí in 1969. It is said he also suggested putting the logo on top of the wrapper so it would always be easy to see.

ダリは「バブー」という名前のオセロット（中南米にすむ野生のネコのなかま）を飼っていました。首輪をつけてレストランやホテルにも連れて行き、まわりの人をびっくりさせたことで知られています。

Dalí kept an ocelot—a wild cat from Central and South America—named Babou. He took it on a leash to restaurants and hotels, where it amazed everyone around him.

「未来には、だれもが15分間だけ世界的に有名になれるだろう」。これは1968年のウォーホルの言葉です。SNSでだれでも一瞬で有名になれる今の時代を、50年以上前に言い当てた言葉として、よく引用されます。

"In the future, everyone will be world-famous for 15 minutes," Warhol said in 1968. People still quote it today, because it seems to predict the age of social media more than 50 years early.

ウォーホルは1974年から亡くなるまで、手紙やチラシ、おみやげなど身の回りの物を段ボール箱につめて封をし続けました。その数はおよそ600箱。アンディ・ウォーホル美術館が、今も中身を少しずつ調べています。

From 1974 until his death, Warhol packed letters, flyers, souvenirs and other everyday things into cardboard boxes and sealed them. There are about 600 boxes, and the Andy Warhol Museum is still studying what is inside.

ウォーホルはピッツバーグ生まれで、本名はアンドリュー・ウォーホラ。両親は今のスロバキアから来た移民でした。画家として有名になる前は、靴の広告の絵などで人気のイラストレーターでした。

Warhol was born in Pittsburgh as Andrew Warhola, the son of immigrants from what is now Slovakia. Before he became a famous artist, he was a popular illustrator who drew shoes for advertisements.

ロシア革命のあと、シャガールは故郷ヴィテブスクに美術学校を作りました。やがて、招いた先生の一人マレーヴィチの新しい抽象画の考えが、生徒や先生たちの強い支持を集め、教え方や学校の運営をめぐって対立が深まります。シャガールは1920年6月に学校を離れ、町を去りました。

After the Russian Revolution, Chagall opened an art school in his hometown of Vitebsk. But the abstract ideas of Kazimir Malevich, one of the teachers he invited, won strong support from students and staff, and serious conflicts arose over teaching and running the school. In June 1920, Chagall left the school and the town.

シャガールは97歳まで生き、年をとってからもステンドグラスやモザイクなど新しい仕事に挑みました。エルサレムの病院の礼拝堂や、フランスのランス大聖堂、ニューヨークの国連本部にも、彼のステンドグラスがあります。

Chagall lived to 97 and kept taking on new challenges, such as stained glass and mosaics. His stained-glass windows can be seen in a hospital synagogue in Jerusalem, Reims Cathedral in France, and the United Nations headquarters in New York.

シカゴ美術館にあるシャガールの「白い磔刑」（1938年）は、2025年に亡くなったローマ教皇フランシスコが「いちばん好きな絵」と語ったことで知られています。ユダヤ人が迫害される苦しみを、十字架のイエスとともに描いた作品です。

Chagall's White Crucifixion (1938), in the Art Institute of Chicago, is known as the favourite painting of the late Pope Francis, who died in 2025. It shows the suffering of persecuted Jewish people around the crucified Jesus.

スペイン観光の広告で使われる、赤と黄色と黒の太陽、黒い小さな星、「España」の文字を組み合わせたロゴは、1983年にミロが作ったものです。ミロはお金を受け取らずに国が使うことを認めました。1984年から40年以上、今も使われ続けています。

Spain's famous tourism logo, with a red, yellow and black sun, a small black star and the word España, was created by Miró in 1983. He let the government use it without payment. It first appeared in 1984 and is still in use more than 40 years later.

「アルルカンの謝肉祭」を描いたころ、ミロはお金がなく、友だちにラディッシュしか出せないほどでした。食べる物もなく帰った夜、ぼうっとした状態で見えた形を描きとめたのが、この絵のもとになったと本人が語っています。

When Miró painted Carnival of Harlequin, he was so poor he could only serve radishes to a friend. He said that after coming home hungry, he drew the shapes he saw "in a kind of trance," and these became the painting.

バルセロナの大通りランブラスの地面には、ミロがデザインした大きな円いモザイクがはめこまれています。毎日たくさんの人が、名画家の作品だと気づかずにその上を歩いています。

A large round mosaic designed by Miró is set into the pavement of La Rambla, Barcelona's famous street. Every day, crowds of people walk across it without realizing it is a work by a great artist.

ポール・マッカートニーはマグリットの大ファンで、大きな緑のリンゴを描いた絵を手に入れました。この絵がヒントになって、ビートルズの会社「アップル」の名前とリンゴのロゴが生まれたと言われています。

Paul McCartney was a big Magritte fan and owned his painting of a large green apple. That painting is said to have inspired the name and apple logo of the Beatles' company, Apple.

マグリットはスーツに山高帽という、まるで会社員のようなかっこうでくらし、ブリュッセルの自宅で絵を描きました。若いころは壁紙やポスターのデザインの仕事でお金をかせいでいました。山高帽の男は、彼の絵の名物キャラクターです。

Magritte lived like an ordinary office worker, in a suit and bowler hat, and painted at home in Brussels. When he was young, he earned money designing wallpaper and posters. The man in the bowler hat became the star of his paintings.

フリーダは1907年生まれですが、自分では1910年生まれだと言っていました。1910年はメキシコ革命が始まった年。新しいメキシコといっしょに生まれた、と言いたかったのだと考えられています。

Frida was born in 1907, but she said she was born in 1910—the year the Mexican Revolution began. People think she wanted to be seen as a daughter of the new Mexico.

1953年、メキシコで初めての個展が開かれたとき、フリーダは体調が悪く、医者から外出を止められていました。それでも救急車で会場にやって来て、運びこまれたベッドに横になったまま、お客さんを迎えたのです。

In 1953, when her first solo exhibition in Mexico opened, Frida was very ill and her doctors told her to stay home. She arrived by ambulance anyway and greeted her guests while lying in a bed set up in the gallery.

1939年、パリでの展覧会のあと、フランス政府がフリーダの自画像「ザ・フレーム」を買い上げました。20世紀のメキシコの画家の作品がヨーロッパの大きな美術館のコレクションに入ったのは、これが初めてと言われています。今はパリのポンピドゥー・センターにあります。

In 1939, after her exhibition in Paris, the French government bought her self-portrait The Frame. It is said to be the first work by a 20th-century Mexican artist to enter a major European museum collection. Today it is in the Centre Pompidou in Paris.

リベラは画家フリーダ・カーロと1929年に結婚し、1939年にいったん離婚しましたが、翌年の1940年にまた結婚しました。二人の年の差は21歳。フリーダはリベラの姿を、何度も絵に描いています。

Rivera married the painter Frida Kahlo in 1929, divorced her in 1939, and married her again in 1940. He was 21 years older than Frida, who painted him many times.

リベラは古代メキシコの土器や石の彫刻を何万点も集めていました。それを展示するために、自分で設計したピラミッドのような石造りの建物が「アナワカリ美術館」です。今はメキシコ・シティの人気の美術館になっています。

Rivera collected tens of thousands of ancient Mexican pots and stone sculptures. To show them, he designed a stone building that looks like a pyramid: the Anahuacalli Museum, now a popular museum in Mexico City.

ホッパーの絵に出てくる女性の多くは、妻で画家のジョーがモデルをつとめました。ジョーは夫の作品を記録帳にこまかく書きとめ、売れた相手や値段まできちんと記録していました。

Most of the women in Hopper's paintings were modelled by his wife Jo, who was also a painter. Jo kept detailed record books of his works, noting who bought them and for how much.

ホッパーの「線路わきの家」（1925年）は、アルフレッド・ヒッチコック監督の映画「サイコ」に出てくる家のモデルになったと言われています。ホッパーの絵は、たくさんの映画監督に影響をあたえました。

Hopper's House by the Railroad (1925) is said to have inspired the house in Alfred Hitchcock's film Psycho. His paintings have influenced many film directors.

オーストラリアが「ブルー・ポールズ」を買ったとき、税金のむだづかいだと新聞や議会で大さわぎになりました。ところが今では、オーストラリア国立美術館を代表する「国の宝」として親しまれています。

When Australia bought Blue Poles, newspapers and politicians called it a waste of taxpayers' money. Today it is loved as a national treasure and is one of the signature works of the National Gallery of Australia.

ポロックの絵の題名には「ナンバー31」のような番号がよく使われます。題名で見る人の考えをしばらず、絵そのものを見てほしかったからだと、妻で画家のリー・クラズナーは語っています。「秋のリズム」も、最初の題名は「ナンバー30」でした。

Many of Pollock's works have numbers instead of titles. His wife, the painter Lee Krasner, explained that numbers were neutral and made people look at the painting itself. Even Autumn Rhythm was first called Number 30.

ニューヨーク州スプリングスにあるポロックのアトリエは、今「ポロック＝クラズナー・ハウス」として公開されています。床には、ポロックが描いたときにはみ出した絵の具のあとが、今もそのまま残っています。

Pollock's studio in Springs, New York, is now open to visitors as the Pollock-Krasner House. The floor is still covered with drips and splashes of paint left from when he worked there.

ロスコは「私の絵の前で泣く人は、私が描いたときと同じ宗教的な体験をしている」という意味のことを語っています。ロスコは自分の絵を単なる色の組み合わせとは考えず、悲劇や喜びといった、人間の根本的な感情を伝えようとしていました。

Rothko said that people who weep before his pictures are having the same religious experience he had when painting them. He did not see his paintings as mere arrangements of colour. He wanted them to express basic human emotions, such as tragedy and ecstasy.

美術収集家のド・メニル夫妻の依頼で作られたロスコ・チャペルは、1971年に開かれました。でもロスコはその前の年に亡くなり、自分の絵が礼拝堂にかけられた姿を見ることはありませんでした。

The Rothko Chapel, commissioned by the art collectors John and Dominique de Menil, opened in 1971. But Rothko had died the year before, so he never saw his paintings installed there.

夫の写真家アルフレッド・スティーグリッツは、20年ほどのあいだにオキーフの写真を300枚以上撮りました。オキーフが有名になったのには、スティーグリッツの画廊で開かれた展覧会も大きな役割をはたしました。

Her husband, the photographer Alfred Stieglitz, took more than 300 photographs of her over about 20 years. The exhibitions at his gallery also played a big part in making her famous.

オキーフはニューメキシコの砂漠にほれこみ、のちにそこに住みました。散歩で拾った動物の骨や石を家にかざり、青空に浮かぶ骨の絵なども描いています。98歳まで生き、晩年まで作品を作り続けました。

O'Keeffe fell in love with the New Mexico desert and later made her home there. She decorated her house with animal bones and stones found on walks, and even painted bones floating in the blue sky. She lived to 98 and kept making art into old age.

デュシャンはチェスに夢中になり、1928年から1933年にかけて4回、フランス代表としてチェス・オリンピアードに出場しました。「芸術家がみなチェス・プレーヤーなのではないが、チェス・プレーヤーはみな芸術家だ」という意味の言葉も残しています。

Duchamp became obsessed with chess and played for France at four Chess Olympiads between 1928 and 1933. He once said that while not all artists are chess players, all chess players are artists.

1919年、デュシャンは「モナ・リザ」の安い複製に鉛筆でひげを描き足し、「L.H.O.O.Q.」という題をつけました。だれもが知る名画をからかうようなこの作品も、デュシャンらしいいたずらとして有名です。

In 1919 Duchamp drew a moustache and beard on a cheap postcard of the Mona Lisa and titled it L.H.O.O.Q. This playful attack on the world's most famous painting is one of his best-known pranks.

1969年、ローリング・ストーンズのミック・ジャガーが、アルバムのジャケットを描いてほしいと手紙を送りました。エッシャーはことわったうえ、「ジャガーさんに、私はあなたにとって『マウリッツ』ではないとお伝えください」と、なれなれしい呼び方にもくぎをさしたそうです。

In 1969 Mick Jagger of the Rolling Stones wrote asking Escher to design an album cover. Escher said no—and added a note asking that Mr. Jagger be told he was not "Maurits" to him, a gentle complaint about the overly friendly greeting.

エッシャーは学校の勉強が苦手で、試験に落ちたこともありました。建築の学校に入りましたが、先生に版画の才能を見ぬかれ、グラフィック・アートの道に進みました。この選択が、のちの「ありえない世界」につながります。

Escher struggled at school and even failed exams. He entered a school to study architecture, but a teacher saw his talent for printmaking, so he switched to graphic arts. That choice led to his famous impossible worlds.

ジャコメッティは、1998年から発行されたスイスの100フラン紙幣の肖像に選ばれました。紙幣には彼の彫刻のデザインも使われていました。自分の国のお札になった彫刻家は、とてもめずらしい存在です。

Giacometti's portrait appeared on the Swiss 100-franc note issued from 1998, which also showed designs based on his sculpture. Very few sculptors have ever appeared on their country's money.

ジャコメッティは弟ディエゴや妻アネットを何度もモデルにしました。何時間も座ってもらい、できた像を何度も作り直したり壊したりしながら、「うまくいかない」としばしば口にしたことで知られています。

Giacometti often used his brother Diego and his wife Annette as models. He made them sit for hours while he reworked or destroyed his work again and again, often saying that it was not right.

第二次世界大戦中、フランスでとらわれの身になったエルンストは、大コレクターのペギー・グッゲンハイムの助けでアメリカへのがれ、1941年に彼女と結婚しました。「花嫁の衣装」は今、ヴェネツィアのペギー・グッゲンハイム・コレクションにあります。

During the Second World War, Ernst was held in a camp in France. With help from the great collector Peggy Guggenheim, he escaped to America, and in 1941 he married her. Today, Attirement of the Bride is in the Peggy Guggenheim Collection in Venice.

エルンストは鳥に強い親しみをもち、自分の分身として「ロプロプ」という鳥の王様のキャラクターを作りました。鳥と人がまざったような姿は、彼の作品のいろいろな場面に顔を出します。

Ernst felt a deep connection with birds and created an alter ego called Loplop, the "Bird Superior." Bird-human figures like this appear again and again in his works.

ワイエスは1971年から1985年まで、近所に住むヘルガという女性をモデルに、240点ほどの絵やスケッチをひそかに描き続けていました。1986年に公表されると、アメリカ中で大ニュースになりました。妻のベッツィーも、これほどたくさんの絵があることは知らなかったと伝えられています。

From 1971 to 1985, Wyeth secretly made about 240 paintings and drawings of a neighbour named Helga. When they were revealed in 1986, it became huge news across America. It is said that even his wife, Betsy, had not known how many there were.

ワイエスは体が弱かったため学校にほとんど通わず、家で家庭教師に勉強を習いました。絵は、『宝島』の挿絵などで有名な画家だった父N・C・ワイエスから、きびしく教わりました。

Because he was often sick as a child, Wyeth hardly went to school and was taught at home by tutors. He learned to paint from his father, N. C. Wyeth, a famous illustrator of books such as Treasure Island.

1964年、有名な雑誌『ライフ』は、彼の記事に「彼はアメリカで最悪の画家か？」という見出しをつけました。漫画をまねしているだけだ、と批判されたのです。ところが今では、彼の作品は世界中の大きな美術館に飾られています。

In 1964, LIFE magazine ran a story about him with the headline 'Is He the Worst Artist in the U.S.?' Critics said he only copied comics. Today his paintings hang in major museums around the world.

リキテンスタインは漫画だけでなく、名画も自分流に描き直しました。1969年には、モネが描いたルーアン大聖堂や積みわらを、印刷のような点や線などの機械的な模様で表した連作を作っています。印象派の「光」を、ポップアートの方法で描くという遊び心たっぷりの挑戦でした。

He also remade famous paintings in his own style. In 1969 he painted Monet's Rouen Cathedral and haystacks using printing-style dots and other mechanical-looking patterns. It was a playful way to show Impressionist light with Pop Art tools.

7歳ごろ、交通事故にあって入院したバスキアに、お母さんが人体の解剖図の本『グレイの解剖学』をプレゼントしました。骨や体の中の図は、その後の彼の絵にくり返し登場します。ドクロのような顔の秘密は、ここにあるのかもしれません。

When Basquiat was about seven, he was hit by a car and spent time in hospital. His mother gave him Gray's Anatomy, a book of medical drawings. Bones and body parts appear again and again in his later art.

1981年、バンド「ブロンディ」のヒット曲『ラプチュア』のミュージックビデオに、バスキアがDJ役で出ています。本当は有名なDJが出る予定でしたが来なかったため、撮影現場にいたバスキアが代わりに出たのです。

In 1981, Basquiat appeared as the DJ in the music video for Blondie's hit 'Rapture.' The famous DJ who was supposed to appear didn't show up, so Basquiat, who was on set, took his place.

1970年代の終わり、ニューヨークの壁に「SAMO©」というなぞめいた言葉の落書きが次々と現れ、話題になりました。書いていたのは10代のバスキアと友だち。このSAMO©の活動で、バスキアは若い芸術家として注目されはじめました。

In the late 1970s, mysterious messages signed 'SAMO©' kept appearing on walls in New York. They were written by the teenage Basquiat and a friend. The SAMO© project helped bring him early attention as an artist.

ヘリングは「アートはみんなのもの」と考え、1986年、ニューヨークに自分の絵のグッズを手ごろな値段で売る「ポップショップ」を開きました。1988年には東京・青山にも「ポップショップ東京」を開店。ただし売れ行きがのびなかったといわれ、その年の夏に閉店しています。

Haring believed art was for everyone. In 1986 he opened the Pop Shop in New York to sell affordable goods with his art. In 1988 he opened a Pop Shop in Aoyama, Tokyo, too, but it reportedly did not sell well and closed that summer.

ヘリングの作品を専門に集めた美術館が、山梨県北杜市の八ヶ岳のふもとにあります。2007年に開館した中村キース・ヘリング美術館で、作品およそ300点に加えて、写真や映像、生前に作られたグッズなど約700点の関連資料を持っています。

A museum devoted to Haring stands at the foot of the Yatsugatake mountains in Hokuto, Yamanashi. The Nakamura Keith Haring Collection, opened in 2007, holds about 300 works plus about 700 related items, such as photos, films and goods made in his lifetime.

ロンドンにあったベーコンのアトリエは、絵の具や写真、古い新聞が床に積み重なり、足の踏み場もないほどでした。彼の死後、7000点以上の品物が1つずつ記録され、1998年に生まれ故郷のアイルランド・ダブリンの美術館へ運ばれて、そっくりそのまま再現されました。2001年から公開されています。

Bacon's London studio was famously messy, with paint, photos and old newspapers piled on the floor. After his death, more than 7,000 items were recorded one by one and moved in 1998 to a gallery in Dublin, his birthplace, where the studio was rebuilt exactly. It has been open to the public since 2001.

ベーコンは美術学校で学んだことがありません。若いころは家具やじゅうたんのデザイナーとして働き、絵はほとんど独学で身につけました。それでも20世紀を代表する画家の一人になったのです。

Bacon never studied at an art school. As a young man he worked as a designer of furniture and rugs, and he taught himself to paint. Even so, he became one of the leading painters of the 20th century.

2013年、友人の画家ルシアン・フロイドを描いた3枚組の絵が、オークションで約1億4240万ドルで落札されました。これは当時、オークションで売られた美術品として史上最高の値段でした。

In 2013, his three-panel portrait of his friend, the painter Lucian Freud, sold at auction for about $142.4 million. At the time, it was the highest price ever paid for an artwork at auction.

ロックウェルは、雑誌『サタデー・イブニング・ポスト』の表紙を、1916年から1963年までの47年間に300枚以上（323枚とされます）描きました。表紙の絵が届くのを、アメリカ中の家庭が楽しみにしていたのです。

Rockwell painted more than 300 covers (323, by most counts) for The Saturday Evening Post over 47 years, from 1916 to 1963. Families all over America looked forward to each new cover.

1943年の連作「4つの自由」（《欠乏からの自由》など）は、全米16都市を回る展覧会になり、100万人以上が見に来ました。会場では国の債券が売られ、その額はおよそ1億3300万ドルにのぼったと美術館は伝えています。

His 1943 series The Four Freedoms, including Freedom from Want, toured 16 U.S. cities. More than a million people came, and the tour helped sell nearly $133 million in war bonds, according to the museum.

《三重の自画像》の右下には、煙が出ているバケツが描かれています。これは、1943年（この絵の約16年前）にバーモント州アーリントンのアトリエが火事で焼けてしまったことを表している、と美術館は解説しています。小さなところにも、物語がかくれているのです。

In the lower right of Triple Self-Portrait, smoke rises from a bucket. The museum explains that it refers to the fire that destroyed his studio in Arlington, Vermont, in 1943, about sixteen years earlier.

ホックニーは2001年の本『秘密の知識』で、ファン・エイクやカラヴァッジョ、アングルたちが、レンズや鏡などの道具を使って絵を描いていた可能性があると主張しました。賛成と反対で大きな議論になりましたが、画家ならではの鋭い観察から生まれた説です。

In his 2001 book Secret Knowledge, Hockney argued that artists such as van Eyck, Caravaggio and Ingres may have used lenses and mirrors to help them paint. The idea caused a big debate, but it came from a painter's sharp eye.

ホックニーは新しい道具が大好きで、iPhoneやiPadでもたくさんの絵を描きました。2018年にロンドンのウェストミンスター寺院に入ったステンドグラス「女王の窓」も、iPadで下絵を描いたもの。光る画面はステンドグラスに似ている、と考えたからです。

Hockney loved new tools and made many pictures on the iPhone and iPad. Even The Queen's Window, a stained-glass window placed in Westminster Abbey in 2018, was designed on an iPad. He felt a glowing screen was a lot like stained glass.

ギタリストのエリック・クラプトンが持っていたリヒターの抽象画が、2012年のオークションで約2130万ポンド（約3420万ドル）で落札されました。これは当時、生きている画家の作品として最高の値段でした。

In 2012, an abstract painting by Richter owned by guitarist Eric Clapton sold at auction for about £21.3 million ($34.2 million). At the time, it was the highest price ever paid for a work by a living artist.

ケルン大聖堂のリヒターの窓は、戦争で失われたステンドグラスの代わりに作られました。中世などの窓と同じ72色のガラスの四角を、コンピューターの乱数で並べる方法を使っています。神聖な場所にふさわしいのか、と議論にもなりました。

Richter's window in Cologne Cathedral replaced stained glass lost in the war. He used 72 colors also found in the cathedral's older windows, and a computer's random numbers helped arrange the squares. Some people argued about whether it suited such a holy place.

2005年の本に「著作権なんて負け犬のもの」と書いたバンクシー。でもその本にも著作権の表示があります。公式の窓口は、個人で楽しむのはOK、商売に使うのは禁止としています。ヨーロッパでは商標の使用などが争われ、一部が「無効」とされたことも、認められたこともあります。作品の著作権はあり、パブリックドメインではありません。

In his 2005 book Wall and Piece, Banksy wrote 'Copyright is for losers' — yet the book itself carries a copyright notice. His official office says personal, non-commercial fun is fine, but commercial use is not allowed. In Europe, some of his trademarks have been challenged or cancelled over questions such as genuine use or bad faith — not simply because he is anonymous — while other rulings went his way. His works are still protected by copyright, not in the public domain.

2005年、バンクシーは大英博物館に、ショッピングカートを押す原始人を描いたコンクリートのかけらを、本物そっくりの説明板つきで壁にこっそり取りつけました。しばらく気づかれなかったと言われています。2018年には、なんと博物館の正式な展覧会でこの作品が展示されました。

In 2005, Banksy secretly put up a piece of concrete showing a caveman pushing a shopping cart in the British Museum, with a label that looked real. It reportedly went unnoticed for a while. In 2018, the museum displayed the same piece in an official exhibition.

2009年、出身地とされるイギリス・ブリストルの美術館で、バンクシーの大展覧会が開かれました。準備は「映画の撮影」といつわって進められ、美術館の中でも知っていたのはごく数人。11週間で30万人以上が訪れました。

In 2009, a big Banksy show opened at the museum in Bristol, said to be his hometown. Preparations were disguised as a film shoot, and only a few museum staff knew. More than 300,000 people visited in 11 weeks.

1959年、72歳のフジタはフランスのランス大聖堂でカトリックの洗礼を受けました。洗礼名「レオナール」は、尊敬していたレオナルド・ダ・ヴィンチにちなんだもの。晩年にはランスに小さな礼拝堂を建て、その壁画も自分で描きあげました。

In 1959, at the age of 72, Foujita was baptized a Catholic at Reims Cathedral in France. He chose the name Léonard after Leonardo da Vinci, whom he admired. Late in life he built a small chapel in Reims and painted its murals himself.

秋田の資産家・平野政吉と出会ったフジタは、1937年、縦3.65m・横20.5mの大壁画《秋田の行事》を完成させました。今も秋田県立美術館で、壁いっぱいの大きさのまま見ることができます。

After meeting Akita collector Hirano Masakichi, Foujita completed the huge mural Events in Akita in 1937. It is 3.65 m high and 20.5 m wide, and you can still see it at full size in the Akita Museum of Art.

岡本太郎の有名な言葉「芸術は爆発だ」は、1981年のビデオテープのテレビCMで広く知られるようになったと言われています。白いピアノをはげしく弾きながらさけぶ姿は、一度見たら忘れられません。

His famous words 'Art is an explosion!' are said to have become widely known through a 1981 TV ad for video tapes. The sight of him shouting while pounding a white piano was hard to forget.

《明日の神話》はメキシコのホテルのために描かれましたが、ホテルは完成せず、壁画は長い間行方がわからなくなりました。2003年、メキシコシティ郊外の資材置き場で見つかり、修復されたのち、2008年から渋谷駅の連絡通路でだれでも見られるようになりました。

Myth of Tomorrow was painted for a hotel in Mexico, but the hotel was never finished and the mural was lost for decades. In 2003 it was found in a storage yard outside Mexico City. After restoration, it has been on public view in a Shibuya Station passageway since 2008.

1951年、東京国立博物館で縄文土器を見た岡本太郎は、その力強い形に大きな衝撃を受けました。翌年「縄文土器論」を発表し、縄文土器を「美術」としてたたえます。これが、多くの人が縄文の美しさに気づくきっかけになりました。

In 1951, Okamoto saw Jomon pottery at the Tokyo National Museum and was stunned by its powerful shapes. The next year he published an essay praising it as art. It helped many people discover the beauty of Jomon culture.

一本道だけを描いた《道》は、青森県の種差海岸にある牧場の風景がもとになっています。東山は遠くの空を明るくし、道が画面の外へのぼっていくように描いて、「これから歩む道」を感じさせました。戦争のあとの日本の再出発への希望がこめられているとされます。

Road, which shows just a single path, is based on a pasture on the Tanesashi Coast in Aomori. Higashiyama brightened the distant sky and let the road rise out of the picture, giving a feeling of the journey ahead. It is said to carry hope for Japan's fresh start after the war.

奈良の唐招提寺には、国宝の鑑真和上の像がまつられています。東山はこの像のある御影堂のために、1971年から1982年まで10年以上をかけて、日本の山や海、中国の風景のふすま絵などを描きました。ふだんは公開されず、年に数日だけ見ることができます。

Toshodaiji Temple in Nara holds a national-treasure statue of the monk Ganjin. For the hall where it stands, Higashiyama spent more than ten years, from 1971 to 1982, painting Japanese mountains and seas and Chinese landscapes. The paintings are usually closed to the public and shown only a few days a year.

1936年の国画会展で、棟方は20図の《大和し美し》を4枚の額に入れて持ちこみましたが、「展示できるのは額1枚だけ」と言われます。そこへ通りかかった柳宗悦と濱田庄司が作品にほれこんで展示を後押しし、開館まぢかの日本民藝館のために買い上げました。これが棟方の運命を変えました。

At a 1936 exhibition, Munakata brought the twenty prints of Yamato shi Uruwashi mounted in four frames, but was told that only one frame could be shown. Yanagi Soetsu and Hamada Shoji happened to see the work, loved it, helped get it shown, and bought it for the soon-to-open Japan Folk Crafts Museum. It changed Munakata's life.

棟方は目がとても悪く、板に顔がつきそうなほど近づけて、ものすごい速さで彫り進めました。1960年ごろからは左目がほとんど見えなくなりましたが、それでも制作を続け、1970年には文化勲章を受けています。

Munakata had very poor eyesight, so he carved at great speed with his face almost touching the block. From around 1960 he lost most of the sight in his left eye, yet he kept working and received the Order of Culture in 1970.

東京・浅草に生まれた清は、1934年、12歳で千葉県の八幡学園に入り、そこでちぎり絵に出会いました。色紙を指で細かくちぎって貼る作業に夢中になり、やがて大人の画家たちも感心するほどの腕前になっていきます。

Born in Asakusa, Tokyo, Kiyoshi entered Yawata Gakuen in Chiba in 1934, at 12, and discovered torn-paper pictures there. He loved tearing colored paper into tiny pieces and pasting them down, and soon even adult artists were impressed by his skill.

1940年、18歳の清はふらりと学園を出て、日本各地を歩き回る旅を始めました。旅は学園に戻ってはまた出かける形で10年以上続き、1954年には、清をさがしていた人たちによって鹿児島で見つかり、大きな話題になりました。

In 1940, at 18, Kiyoshi suddenly left the school and began wandering around Japan. For more than ten years he kept coming back and setting off again. In 1954 he was found in Kagoshima by people who had been searching for him, and it became big news.

「日本のゴッホ」と呼ばれた清は、1961年に約40日間ヨーロッパを旅し、ゴッホのお墓も訪れました。「ゴッホは生きている間に絵が1枚しか売れなかった」という、よく語られる話を聞いて気の毒がり、自分は生きているうちに認めてもらえたことを喜んでいたそうです。

Known as 'Japan's Van Gogh,' Kiyoshi traveled in Europe for about 40 days in 1961 and visited Van Gogh's grave. He had heard the often-repeated story that Van Gogh sold only one painting in his lifetime. He felt sorry for him and was glad that his own work was recognized while he was alive.

平山は仏教やシルクロードの絵で有名になっても、原爆そのものはなかなか描けませんでした。被爆から34年たった1979年の夏、平和記念公園を訪れて心の整理がつき、ようやく《広島生変図》を完成させます。炎の中には、人びとを見守る不動明王が描かれています。

Even after he became famous for Buddhist and Silk Road paintings, Hirayama could not bring himself to paint the bombing. In the summer of 1979, 34 years later, a visit to the Peace Memorial Park finally settled his feelings, and he completed Hiroshima Shohen-zu, with Fudo Myoo watching over the people in the flames.

奈良・薬師寺の《大唐西域壁画》は、2000年12月31日、つまり20世紀最後の日に奉納されました。平山は玄奘三蔵の旅の道を実際に訪ね歩き、取材もふくめて約30年、スケッチだけで4000枚も描いて完成させたのです。

The murals at Yakushiji Temple in Nara were offered on December 31, 2000 — the last day of the 20th century. Hirayama actually traveled Xuanzang's route, and the project took about 30 years, including research, with some 4,000 sketches.

平山は、戦争や災害で危機にある世界の文化財を、国をこえて守ろうという「文化財赤十字」の考えを提案しました。1988年にはユネスコ親善大使となり、敦煌やアンコール遺跡などの保護にも力をつくしました。

Hirayama proposed a 'Red Cross for Cultural Heritage,' an idea of protecting endangered treasures across national borders. He became a UNESCO Goodwill Ambassador in 1988 and helped protect sites such as Dunhuang and Angkor.

若き日の草間は、アメリカの有名な画家ジョージア・オキーフに思い切って手紙を書きました。返事をもらって勇気を得た草間は、1957年に海をわたり、やがてニューヨークで前衛芸術のスターになっていきます。

As a young artist, Kusama boldly wrote a letter to the famous American painter Georgia O'Keeffe. Encouraged by her reply, Kusama crossed the ocean in 1957 and went on to become a star of the New York avant-garde.

直島の黄色い《南瓜》は、2021年8月の台風で海に流され、こわれてしまいました。草間のスタジオが約半年かけて作り直し、2022年10月に同じ桟橋へもどってきました。新しい南瓜は前より丈夫になり、台風のときはクレーンで動かせる工夫もされています。

Naoshima's yellow Pumpkin was swept into the sea and broken by a typhoon in August 2021. Kusama's studio spent about half a year remaking it, and it returned to the same pier in October 2022. The new pumpkin is stronger and can be moved by crane when a typhoon comes.

奈良は愛知県立芸術大学の大学院を出たあと、1988年にドイツへ渡り、デュッセルドルフ芸術アカデミーで画家A.R.ペンクらに学びました。そのあとケルンでも制作し、約12年間のドイツ生活を終えて日本に帰ってきたのは2000年のことです。

After graduate school at Aichi Prefectural University of Fine Arts, Nara moved to Germany in 1988 and studied at the Düsseldorf art academy under painters including A.R. Penck. He later worked in Cologne, and came home to Japan in 2000 after about 12 years in Germany.

2019年、奈良の絵《ナイフ・ビハインド・バック》（2000年）が香港のオークションで約1億9570万香港ドル（約2490万米ドル）で落札され、当時、オークションでいちばん高く売れた日本人アーティストの作品になりました。それまでの記録は草間彌生でした。

In 2019, Nara's painting Knife Behind Back (2000) sold at auction in Hong Kong for about HK$195.7 million (about US$24.9 million). At the time, it was the most expensive work by a Japanese artist ever sold at auction, beating the record held by Yayoi Kusama.

2000年、横尾はふるさと西脇の夜の三叉路（Y字路）を、ストロボをたいて撮影しました。すると、見なれた景色がまったく別のふしぎな風景に見えたのです。ここから生まれた「Y字路」シリーズは、20年以上も描き続けられています。

In 2000, Yokoo took a flash photo of a fork in the road at night in his hometown, Nishiwaki. The familiar place suddenly looked like a strange new world. The Y-Junction series that grew from it has continued for more than 20 years.

横尾は絵だけでなく文章も得意で、2008年には小説『ぶるうらんど』で泉鏡花文学賞を受賞しました。2023年には87歳で東京国立博物館で個展を開き、102点の新作「寒山百得」を発表しています。

Yokoo is a gifted writer as well as an artist. In 2008 his novel Blue Land won the Izumi Kyoka Prize for Literature. In 2023, at 87, he held a solo show at the Tokyo National Museum and presented 102 new paintings, Kanzan Hyakutoku.