歌劇「オルフェオとエウリディーチェ」より「精霊の踊り」

1762年のウィーン版では、この踊りは短いバレエ曲でした。いま有名な、フルートがもの悲しく歌う部分は、1774年のパリ版で加えられたものです。パリの観客はバレエが大好きだったため、グルックは踊りの場面を大きくふくらませたのです。今よく聴くのは、このパリ版の形です。

In the 1762 Vienna version, this was a short ballet piece. The famous section where the flute sings a sad melody was added in the 1774 Paris version. Paris audiences loved ballet, so Gluck greatly expanded the dance scenes. The version we usually hear today comes from Paris.

オルフェオ役は、ウィーン初演では「カストラート」と呼ばれる、高い声の男性歌手グァダーニが歌いました。パリ版では高い声のテノール向けに書き直され、1859年にはベルリオーズが女性歌手ポリーヌ・ヴィアルドのために編曲しました。同じ役なのに、時代ごとに声がちがうのです。

In the first Vienna performance, Orpheus was sung by Gaetano Guadagni, a castrato, a male singer with a very high voice. For Paris, the role was rewritten for a high tenor, and in 1859 Berlioz arranged it for the female singer Pauline Viardot. The same hero has been sung by very different voices over the years.

ギリシャ神話のオルフェウスの物語は、ふり返ったために妻をもう一度失ってしまう悲しいお話です。ところがグルックのオペラでは、愛の神が妻を生き返らせて、めでたしめでたし。当時のオペラでは、しあわせな結末にするのがよくある決まりでした。神話とくらべて聴くと、またちがった味わいがあります。

In the Greek myth, Orpheus looks back and loses his wife for a second time. But in Gluck's opera, the god of love brings her back to life, and all ends well. Happy endings were a common custom in operas of that time. Comparing the opera with the myth makes it even more interesting.

当時のオペラは、歌手が派手な技を見せることが中心になりがちでした。グルックは、音楽は物語と言葉に仕えるべきだと考え、むだな飾りをへらしました。この考え方は「オペラ改革」と呼ばれ、のちのモーツァルトやベルリオーズ、ワーグナーにも影響を与えたと言われています。

In those days, operas often focused on singers showing off their skills. Gluck believed that music should serve the story and the words, so he cut out needless decoration. This idea is called his 'reform' of opera, and it is said to have influenced later composers such as Mozart, Berlioz and Wagner.